|
 |
ДЕНЬ В ИСТОРИИ ФОТОГРАФИИ
 | | Французский художник, режиссер и фотограф Жан-Поль Бурдье (Jean-Paul Bourdier) стал знаменитым благодаря фотопроекту Bodyscapes (от англ. body — «тело» и landscapes — «ландшафты»), над которым он работал более 10 лет. На этих снимках, сделанных в стиле «лэнд-арт», человеческое тело становится элементом пейзажа. Свою первую книгу о проекте Бурдье выпустил еще в 2007 году. [1.1.2000] | | Жан-Поль Бурдье архитектор, художник и фотограф. Начиная с раннего возраста, в моей родной стране Франции, я всегда питал страсть к земле, живописи, рисунку, танцу, архитектуре и фотографии. Мои интересы в области архитектуры, ландшафта, археологии, фрески оказали большое влияние на мое художественное творчество. Учился я в Школе изящных искусств в Версале и в университете штата Иллинойс в Урбана-Шампейн. Был конструктором производства и сопродюсером фильмов вьетнамского кинорежиссера Трин Мин-Ha. За последние двенадцать лет, я сделал бесчисленные экспедиции по пустыням американского Запада.
Проект под названием Bodyscapes стал художественным решением поэтического отношения между человеческим телом и впечатляющих ландшафтов, здесь пересекаются скульптура, перформанс, танец, лэнд-арт, боди-арт, дизайн, акробатика. В 2007 году вышла книга, резюмирующую Bodyscapes, собрав все фотоработы над проектом. Несмотря на неожиданное богатство сюрреалистических ситуаций все 240 фотографий указывают на нашу внутреннюю свободу, на наше единство со Вселенной. С 1982 года я являюсь профессором архитектуры и фотографии в Университете Калифорнии, Беркли, преподаю дизайн, рисунок и фотографию, работаю над книгой о ленд-арт и книгами для детей.
• ЖАН-ПОЛЬ БУРДЬЕ ПРОВОДИТ ГРАНЬ МЕЖДУ ПРИРОДОЙ И ЧЕЛОВЕКОМ
• JEAN - PAUL BOURDIER. ЧЕЛОВЕК И ПРИРОДА, ФИГУРА И ПЕЙЗАЖ, МЕЧТА И РЕАЛЬНОСТЬ. | | | | | | | Гвидо Арджентини (Guido Argentini) — итальянский фотограф родился в 1966 году (Дату нужно уточнить!) во Флоренции. Три года провел в медицинской школе, пока не решил в 23 года посвятить себя карьере фотографа. Сейчас он живёт между США и Италией, проводя большую часть времени в Лос-Анджелесе. [1.1.1966] | | В 2003 выходит первая книга Аргентини, Silvereye, изысканная серия студийных и ландшафтных эротических фотографий. Эта работа была отражением увлечений художника скульптурой и танцем. Серия Арджентини не зря называется «Silvereye», то есть «серебряный взгляд». Тела всех моделей покрыты серебристой краской, отчего кажется, будто фотограф снимал не живых людей, а безупречные скульптуры из драгоценного металла. Автор рассказывает, что большое влияние на его творчество оказали скульптуры из полированной бронзы Константина Бранкузи, которые заставили его задуматься о красоте абсолютного. Серебряную краску Гвидо использовал для того, чтобы подчеркнуть формы тел моделей.
Во второй книге, Private Rooms, 2005, Аргентини предлагает другой вид путешествия в мир эротизма и красоты. На страницах книги нам предлагают заглянуть в неповторимый женский мир. Вторая книга — результат 10 лет фотографии, сделанные в интимной атмосфере закрытых комнат, частных вил, современных квартир, многих отелей, от самых дорогих и элегантных, с кроватями на четверых, до самых дешевых с почасовой оплатой и пластиковой мебелью. Вселенная, где комнаты становятся подмостками театра с артистами-режиссёрами.
В 2007 году вышла третья книга, Reflections. Новая вселенная желаний и реальности. Играя с отражением, художник получает неожиданные перспективы, позволяющие стать участником ролевой игры.
Серия Арджентини не зря называется «Silvereye», то есть «серебряный взгляд». Тела всех моделей покрыты серебристой краской, отчего кажется, будто фотограф снимал не живых людей, а безупречные скульптуры из драгоценного металла. Автор рассказывает, что большое влияние на его творчество оказали скульптуры из полированной бронзы Константина Бранкузи, которые заставили его задуматься о красоте абсолютного. Серебряную краску Гвидо использовал для того, чтобы подчеркнуть формы тел моделей.
• Guido Argentini Site
• Гвидо Арджентини: серебряный взгляд на красоту | | | | | | | Стива Блума (Steve Bloom) знают во всем мире как фотографа, который прославился своим поистине уникальным взглядом на дикую природу. В этом замечательном человеке воедино связано множество ипостасей: он и фотограф, и художник, и видеооператор, и писатель… Его работы в любом из этих направлений искусства и удивляют, и потрясают, а порой и шокируют одновременно. Этот удивительный человек правдивостью своего творчества доказывает всему человечеству то, что наш мир поистине прекрасен и удивителен, показывает нам этот мир правдиво, тонко, изящно. Работы Стива Блума свидетельствуют о том, что мы все – и люди, и животные, и растения – жители одной планеты, которая называется Земля. Разница между нами лишь в том, что говорим мы на разных языках. [1.1.1953] | | Родился Стив Блум в 1953 году в Южной Африке, на континенте, на котором не всегда мирно уживаются реальность и мистика, первобытная жизнь и цивилизация, бедность и богатство, животные и люди, белые и черные... Южная Африка завораживает всех. На всю жизнь заворожила она и Стива Блума. Он постоянно приезжал в этот уголок земли множество раз только лишь для того, чтобы показать людям Африку и рассказать о ней как можно больше и интереснее.
• Steve Bloom
• Фотограф Стив Блум (Steve Bloom) | | | | | | | В плёночную эпоху тесно связанная со зловредной химией фотография была преимущественно мужским делом, а уж на фронте — тем более. Исключения лишь подтверждают правило. Фронтовой фотокорреспондент Ольга Александровна Ландер (1909—1996) — одно из таких исключений. Ученица Моисея Наппельбаума и Давида Штернберга, она начала карьеру фотокорреспондентом «Комсомольской правды», а во время войны стала фронтовым фотокором. Снимала на Юго-Западном фронте, затем для газеты 3-го Украинского фронта «Советский воин». [1.1.1909] | | Лейтенант Ольга Ландер была награждена орденами Красной Звезды и Отечественной войны II степени, медалями «За отвагу», «За освобождение Белграда», «За взятие Будапешта», «За взятие Вены», «За победу над Германией».
После демобилизации Ольга Ландер работала фотографом на ВДНХ, а с начала 1950-х и до самой пенсии — в газете «Советская Россия». | | | | | | | Классик русской (советской) пикториальной фотографии Александр Данилович Гринберг родился в 1885 г. в Москве. Учился на физико-математическом факультете Московского университета, в Строгановском художественном училище. С 1907 г. – член Русского фотографического общества (РФО) в Москве, с 1912 г. – один из его руководителей. В 1909 г. получил первую золотую медаль на международной выставке в Дрездене. [1.1.1885] | | В 1914 г. Гринберг был приглашен в качестве кинооператора на студию Ханжонкова. Наиболее известны два снятых им фильма – «Потомок араба» и «Два друга, модель и подруга». Участвовал в первой мировой войне, несколько лет провел в немецком плену. Вернувшись в Москву в 1918 г., работал кинооператором на различных кинофабриках, в том числе, – Одесской.
С 1922 по 1930 г. преподавал курс фотокомпозиции в Государственном кинотехникуме (впоследствии – ВГИК), заведовал кафедрой. Одновременно преподавал на курсах Московского общества фотографов-профессионалов и был кинооператором на I-й Государственной кинофабрике.
Работы Александра Гринберга демонстрировались на выставках «Искусство движения» (в 1925–1928 гг. прошло четыре выставки); на международных выставках в Токио, Турине, Торонто, Париже. Итоги двадцатилетней работы фотографа (51 снимок) были представлены в 1927 г. на выставке «Советская фотография за 10 лет».
В 1936 г., после экспонирования его этюдов обнаженной натуры (выставка «Мастера советского фотоискусства», 1935) Гринберг был арестован и осужден Особым совещанием НКВД СССР «за распространение порнографии». В 1939 г. досрочно освобожден за ударный труд на стройках БАМлага, работал фотографом в музее бывшей Троице-Сергиевой лавры.
В годы войны оставался в Москве, был фотографом-портретистом. Затем преподавал на курсах жен фоторепортеров, в кружке Дворца культуры ЗИСа.
Умер А.Д. Гринберг в 1979 г. в Москве в возрасте 94 лет.
• Из статьи Валерия Стигнеева | | | | | | | Альфред Стиглиц (Alfred Stieglitz) (1 января 1864 - 13 июля 1946) — Американский фотограф, галерист и меценат, один из крупнейших мастеров пикториализма, который внёс огромный вклад в утверждение фотографии как независимого искусства и повлиял на формирование его эстетики. Уже при жизни Альфред Стиглиц стал значительной личностью, почти легендой. И еще за двенадцать лет до его смерти группа фотографов опубликовала книгу, в которой дана достойная оценка деятельности Стиглица. Выдающийся мастер и сегодня остается могучей фигурой в истории американского искусства. А непреходящий интерес всех последующих поколений ценителей фотографии как искусства к его работам является доказательством всеобщего признания Стиглица, как одного из выдающихся фотохудожников Америки. [1.1.1864] | | С самого начала своей карьеры фотографа Стиглиц столкнулся с пренебрежительным отношением к фотографии со стороны художественной элиты: «Художники, которым я показывал свои ранние фотографии, говорили, что завидуют мне; что мои фотографии лучше, чем их картины, но, к сожалению, фотография – это не искусство. Я не мог понять, как можно одновременно восхищаться работой и отвергать ее как нерукотворную, как можно ставить свои работы выше только на том основании, что они сделаны руками», – возмущался Стиглиц. Он не мог смириться с таким положением дел: «Тогда я начал бороться ... за признание фотографии новым средством самовыражения, чтобы она была уравнена в правах с любыми другими формами художественного творчества».
В 1893 году Стиглиц стал редактором журнала «Американский фотограф-любитель» («American Amateur Photographer»), но вскоре у него начались проблемы с коллегами: его управленческий стиль оказался слишком авторитарным. В 1896 году его вынудили оставить редакторское кресло и он занялся малоизвестным изданием под названием «Camera Notes» которое выпускалось под эгидой общества фотографов-любителей «The Camera Club of New York». Ни фотографы, ни большая часть авторов текстов не получали денег за свою работу, но несмотря на крайнюю экономию журнал все равно был убыточным: нередко Стиглицу – благо он был в достаточной степени финансово независим – приходилось докладывать недостающие средства из своего кармана. Но зато он получил прекрасную трибуну для популяризации своих идей, для продвижения фотографий своих и своих друзей.
В начале 1902 года директор «National Arts Club» Чарльз Де Кэй попросил Стиглица организовать выставку современной американской фотографии. Среди членов клуба разгорелись жаркие споры о том кто из фотографов должен участвовать в выставке. Не в силах добиться поддержки большинства Стиглиц пустился на хитрость: он основал из своих сторонников инициативную группу, которой и поручил отбор фотографий. Группа, которая вошла в историю фотоискусства под названием «Photo-Secession», была основана 17 февраля 1902 года за две недели до выставки.
В 1905 году Стиглиц основал «Маленькую галерею Photo-Secession» («Little Galleries of the Photo-Secession») которая обрела известность как «Галерея 291». Такому странному названию она обязана своему адресу: галерея располагалась в доме 291 по Пятой авеню. Наряду с фотографиями в «Галерее 291» выставлялись картины современных художников: Матисса, Ренуара, Сезанна, Мане, Пикассо, Брака, Родена, О’Киф ... Не всегда эти выставки пользовались успехом у художественной критики и широкой публики: так, в 1908 году выставка Матисса вызвала нападки критики и протест его товарищей по «Camera Club». Обиженный Стиглиц даже вышел из членов клуба и никакие уговоры не смогли заставить его вернуться.
В 1911 году окончилась полным провалом выставка-продажа работ Пикассо: «Я продал один рисунок, который он сделал двенадцатилетним мальчиком, второй я купил сам», – с горечью писал Стиглиц, – «Мне было стыдно за Америку, когда я все работы вернул Пикассо. Я продавал их за 20-30 долларов за вещь. Всю коллекцию можно было купить за 2 тысячи долларов. Я предложил ее директору музея Метрополитен. Он ничего не увидел в работах Пикассо и сказал, что такие безумные вещи никогда не будут приняты Америкой».
Но среди творческой молодежи галерея пользовалась большой популярностью. Осенью 1908 года там состоялась выставка рисунков Родена. «Все наши учителя говорили: "На всякий случай, сходите на выставку. Может быть, в этом что-то есть, а может быть, ничего нет. Но вы не должны это пропустить"», – вспоминала Джорджия О Киф, в ту пору студентка Колумбийского колледжа, – «Куратором выставки был человек, у которого волосы, брови и усы росли в разные стороны и стояли торчком. Он был очень сердит, и я обходила его стороной. Но рисунки меня поразили. И своей откровенностью, и тем, что они были сделаны совсем не так, как меня учили».
Творческая жизнь Стиглица в 1920-1930 годах была плодотворной и довольно успешной. Он много фотографировал, его фотографии пользовались заслуженной популярностью, они постоянно мелькали на страницах книг и фотоальбомов, на обложках журналов, на выставках. Именно Стиглиц стал первым фотографом, чьи произведения удостоились музейного статуса.
После закрытия «Галереи 291» Стиглиц испытывал определенные трудности с продвижением своих работ, а также фотографий и картин своих учеников и друзей. В декабре 1925 года он открывает галерею «Intimate». Она была мягко сказать небольших размеров – Стиглиц называл ее «Комната» – но за четыре года существования галереи в ней прошло несколько десятков выставок пользовавшихся большой популярностью. В начале 1930 года он открыл новую галерею «An American Place», которая продолжала функционировать до самой его смерти.
Если верить энциклопедии «Британника», Стиглиц «почти в одиночку втолкнул свою страну в мир искусства XX века». И делал он это жесткой рукой, сурово расправляясь с теми, кто осмелился ему перечить. Даже для своих «любимчиков» он не делал поблажек: так, он сурово осудил Эдварда Стейхена «предавшего искусство ради коммерции».
«Я родился в Хобокене. Я американец. Фотография – моя страсть. Поиск Истины – моя зависимость», – говорил о себе сам Альфред Стиглиц. Хочется верить, что свою истину в жизни этот Великий Художник все таки нашел.
Автор Андрей Высоков
• Биография Альфреда Стиглица
• Альфред Стиглиц: Фотография во имя Любви. | | | | | | | Козабуро Тамамура (Kozaburo Tamamura, 1856-1923) - японский фотограф конца 19 века. Учился у Канэмару Гендзо (Genzo Kanemaru), который был пионером фотографии в Японии. Успех пришел к Тамамара после того, как он выставил несколько своих фотографий продаваться в одном из магазинов Асакуса в Эдо. А уже в 1874 году создал свою студию в Йокагаме. [1.1.1856] | | Тамамура был успешным фотографом. Его клиенты были главным образом иностранцы и он специализировался на "сувенирной" фотографии, открытках, одним словом, или, как это иначе называют "фотографии туристические". Также одним из его интересов была портретная и промышленная фотография. Когда мы говорим "промышленная фотография", не стоит понимать это как фотографирование заводов и фабрик. Тамамура занимался фототипией, то есть делал со своих фотографий оттиски полиграфическим способом и в больших количествах, в промышленных масштабах.
Наивысшего расцвета творчество фотографа достигло в 1890 году, когда он решил делать фотографии в цвете, то есть раскрашивать снимки вручную. И с этого времени в студии работало уже более ста колористов, то есть художников, которые раскрашивали фотографии. Занятие это было крайне кропотливым и трудным, учитывая тот факт, что каждый снимок представлял собой фототипию и был не более 5 х 7 сантиметров.
Студия приносила значительный и постоянный доход вплоть до 1923 года. Что произошло после этого никто не знает, но скорее всего Козабуро Тамамура погиб при землетрясении в этом году.
Снимки Тамамуро большими тиражами разошлись по всему миру. Еще при его жизни в США был выпущен первый альбом видов Японии, и многие посмертно. | | | | |
|
